III edição - 2009

Mario Taddei cria uma obra multimodal para a Fabbri, programada inteiramente com um software interativo e autogerador. Estudioso de Leonardo da Vinci e apaixonado por seus escritos, ele fez algumas descobertas de repercussão mundial sobre as Máquinas de Leonardo, mas não negligencia a arte digital: colabora no ensino da Universidade Politécnica de Milão nos cursos de Modelagem 3D, CAD/CAM e Comunicação Multimodal e dedica grande parte de sua atividade ao desenvolvimento de produtos interativos para a divulgação da ciência. Para a Fabbri, ele imagina vasos virtuais que, como um vírus ou um Alien, não se destroem, mas se transformam. Sua obra é talvez uma metáfora da força da marca bolognese, que superou com sucesso seus primeiros cem anos de vida e ainda não mostra sinais de envelhecimento.

Para a pintora lombarda, a relação entre imagem e palavra sempre foi determinante, e, portanto, essa obra para a Fabbri não se compreende plenamente sem seu título.

Mas o que Tim Burton tem a ver com a Amarena Fabbri? O cineasta, ator e animador norte-americano de cinquenta anos, famoso por seus filmes visionários, sempre com temática de conto de fadas e ambientação neogótica, é um dos mais admirados pela artista, que, assim como ele, se sente próxima dos personagens que pinta, pouco integrados e em conflito com a sociedade: Roberta Savelli também tende a interiorizar tudo, sendo solitária e, por vezes, desconectada do resto do mundo. No entanto, seu ponto de partida é sempre a realidade; suas pinturas são retratos a óleo sobre gaze, dando forma ao respirar intangível; suas obras vibravam de ar sobre a superfície branca e leve. Há um ano, Roberta Savelli voltou ao desenho sobre papel, aquele dos cenários onde se formou, ou o das páginas de um livro ilustrado, para o qual sempre se sente atraída. Suas visões preferidas narram terras intermediárias, habitadas por crianças atemporais, donzelas que não querem crescer e vasos de doces amarena escondidos em um país das maravilhas.

Em um trabalho de 2003, Concerning her life I, Luisa Raffaelli já nos havia feito entrar nesta imagem, agora revisitada para a Fabbri com a adição, quase óbvia, do vaso branco e azul de amarena no centro da mesa.

No fundo do refeitório, no entanto, também se vê um jovem homem que nos observa da tela do monitor, atravessando com seu olhar, na ordem, o vaso Fabbri, a mulher de cabelos vermelhos e o espectador fora de campo. Uma intervenção coerente com o repertório da artista turinense, que há anos repete o corpo de uma jovem mulher metropolitana como fio condutor de sua pesquisa hiperrealista e com efeitos desconcertantes. Ruivas ou loiras, as mulheres de Luisa Raffaelli não pressionam o espaço, não estão vinculadas ao tempo, nem à força da gravidade, como acontece na realidade; parecem mais extraterrestres ou replicantes do filme Blade Runner. Dentro ou fora da manipulação digital, permanecem seres desconhecidos, objetos de desejo, expressões de uma condição alienígena, amedrontada, frágil em seu status cotidiano.

O vaso Fabbri quase não existe mais; está sufocado por ramos e arbustos, em uma selva dentro da qual está preso também um pequeno ser humano, ou humanoide, em pé sobre a tampa.

Talvez estejamos assistindo a uma mutação genética do homem-amarena?
Desde os primeiros passos, a obra de Marco Prestia, jovem artista siciliano, nos acostumou a imagens futuristas e cibernéticas, para denunciar o mal-estar social, as aberrações e as falsidades do contemporâneo. Com a resina e os materiais argilosos, modela figuras, pequenos truques do destino que se alimentam de múmias, ventres que abrem voo a pequenas borboletas. Seu trabalho mais recente está centrado no biomorfismo; são figuras antropomórficas, com traços quase de conto de fadas. Seres metade animais, metade humanos, que se movem em um não-mundo indefinido e geneticamente distante, e, ainda assim, nos paisagens, através dos fios de grama ou dos pequenos detalhes evidentes, percebemos como esse lugar nos pertence. Como ele se assemelha sinistramente ao jardim de nossa casa, ao parque de nossa cidade. E então, a variável humana dessas mutações se manifesta em sua potência, incutindo-nos a dúvida latente de que algo semelhante realmente exista.

Entre os protagonistas da Nova Escola Romana, Gioacchino Pontrelli sabe tornar contemporâneo todo o seu trabalho, claro e compreensível para todos. Ao mesmo tempo, porém, seus quadros, que retratam móveis de design, luxuosas residências ou ambientes minimalistas, rigorosamente sem qualquer presença humana, dizem algo mais apenas para quem sabe realmente olhar. O artista desenvolveu uma poética muito singular para expressar sua busca interior; conhecido como "aquele dos interiores", ele está ciente de que suas obras falam a poucos, mas isso não o incomoda. Cada uma de suas obras é um conto da alma, ambientado em uma cenografia precisa: Amarené, por exemplo, vive em uma casa dos anos cinquenta, como se deduz por alguns indícios: o belo vaso Fabbri vermelho amarena, a célebre cadeira de Arne Jacobsen e um tapete informal e colorido. No entanto, Gioacchino Pontrelli não deseja fornecer respostas, nem se propõe a objetivos precisos. O espectador, consequentemente, pode se perder em suas telas ou simplesmente observar sua beleza formal.

Uma pequena "zumbi" com calçolas brancas e azuis, que fazem alusão ao decorado do famoso vaso Fabbri, olha para o espectador e mergulha seus braços curtos em uma massa branca maior do que ela; será açúcar glacê? Lábios sensuais, vermelhos e carnudos, estampados como uma assinatura no canto inferior da composição, estão famintos de prazer. O que aconteceu com as figuras femininas de Elena Monzo, agressivas e transgressoras, sempre em busca da própria individualidade? A jovem artista de Brescia traça aqui a lápis, cola brilhos, monta decorações em uma linguagem que lembra a imediaticidade dos quadrinhos, mas que também mistura a rudeza iconográfica de certo Expressionismo. As cores são ácidas e a figuratividade é mais suave porque Elena Monzo não descreve uma realidade tangível, mas prefere transformar o visível através de um filtro psicológico e emocional. Ela inventa um novo tipo de perspectiva onde as proporções não são reais, as cores seguem o humor e as formas são propositalmente tortas. Desaparece qualquer referência espaço-temporal para dar lugar à emoção.

Da street art ("ter sido um writer fica com você para a vida toda, mesmo que pare de pintar", declara) ao design, o percurso artístico de Mido tem uma constante: a paixão pelo desenho, de fato no papel, e a necessidade de contar, através da fotografia, o que encontra e ama. Principalmente sua terra natal e depois as viagens, durante as quais ele tira centenas de fotografias que retoca com considerável talento. Para Fabbri, Mido propõe uma foto digital com uma cena doméstica transfigurada artisticamente: a meio caminho entre a lâmpada de Aladino e um encontro próximo do terceiro tipo, o vaso de amarena Fabbri se torna, para a pequena exploradora, o protagonista da foto, um objeto não identificado carregado de emoções cintilantes e doces surpresas coloridas.

Una vanitas contemporanea, realizzata nella maiolica bianca e blu del vaso di Amarene Fabbri, è l’opera dell’artista toscano che attualizza, in occasione del Premio, un suo precedente lavoro del 2007. Bizzarro e anticonformista, esperto nei calembour e nei paradossi visivi, Paolo Maione è uno scultore a tutto campo (maiolica, bronzo, terracotta), fervente sostenitore di quanto sia essenziale il rapporto con la materia che va toccata, conosciuta, lavorata. Abilissimo dal punto di vista tecnico, lo scultore attinge idee e forme da un immaginario che mescola le radici popolari e vernacolari alla più nobile storia delle arti decorative. La sua vena sarcastica si colloca nella feconda famiglia italiana di Collodi (celebre il suo ciclo di opere dedicate a Pinocchio e al suo spirito beffardo e anarcoide), Pirandello, De Filippo, Totò, campioni del riso ma soprattutto filosofi del disincanto.

Il vaso di Amarena Fabbri è grande, tondo, dolce e galleggia come una boa rassicurante. Assomiglia alla mamma in costume nero; ce lo suggerisce Giovagnoli con questa tela che ha la freschezza di una foto istantanea trovata nell’album dei ricordi, ha la forza di una visione surreale e la bontà di un lavoro pittorico fatto come una volta. Dopo vent'anni l’artista riminese conserva ancora, inalterato, il piacere della preparazione artigianale dei supporti, costruiti con abilità meticolosa. Tira con forza la juta su tele sottili e la ricopre con un generoso strato di collante per rendere uniformi le naturali asperità. Giovagnoli non fa bozzetti preparatori, perché è lo stato d'animo del momento a suggerire la tavolozza; ecco allora che gli acrilici si mescolano alle terre, alle sabbie, alle polveri naturali, dando corpo ad impasti granulosi che saranno poi soggetti a graffiature, scalfitture, colate spesse e lievi sgocciolature, all'apparenza casuali, e invece studiate, soppesate, finalizzate all'armonia generale. Il procedimento tecnico è veloce, fluido e dinamico; il colore non deve indurire troppo, le colle non possono asciugarsi del tutto, la materia deve conservare morbidezza e duttilità. Saper fare pittura è una ricetta che si ha nel sangue, proprio come i Fabbri con l’amarena.

Artista completa (pintura, escultura, artes decorativas), Eloisa Gobbo alcançou, nos últimos anos, uma maturidade de traço e expressão muito importante, a ponto de poder apresentar obras desconcertantes e ainda assim intrigantes, como este vaso repleto de amarena Fabbri, mas na verdade portador de luz, ou seja, uma lâmpada. É feito de nylon sinterizado, mas à vista parece ser de terracota; aqui está outro jogo do ambíguo e do duplo sentido, uma habilidade que caracteriza o trabalho da artista padovana, como o de todos os artistas autênticos: criar uma obra aberta, capaz de fornecer múltiplos níveis interpretativos.

Para Eloisa Gobbo, a decoração é, portanto, uma ferramenta, ou seja, um alfabeto desestruturado que, quando necessário, pode se compor, graças às suas várias variantes estilísticas, em novos patchworks pictóricos. Mas a artista não se contenta em permanecer na superfície das coisas; ela quer transmitir, com sua obra, uma reflexão social e política sobre o tema da prostituição e sobre o problema existencial do sexo quando desconectado do amor e de suas consequências. Ela alcança esse objetivo olhando para o patrimônio iconográfico das artes ornamentais do Oriente e do Ocidente, do design gráfico e da computação gráfica, fazendo uma síntese formal muito pessoal.

I gorilla gli riescono bene. Li dipinge dal 2002, da quando realizzò la prima
serie di animali, confluiti poi nella mostra “Safari” (2008).
 
Gli animali sono per Riccardo Gavazzi un pretesto formale, la varietà dei loro corpi lo incanta e le loro forme gli permettono maggior libertà di espressione e di sperimentazione rispetto al ritratto. Negli animali Gavazzi vede la materia, vede il colore, vede la sfida di produrre qualcosa di brutto e di renderlo desiderabile; sceglie la pittura perché è un gesto primitivo, è come cucinare, è vita in sé. Nel dipingere questa scimmia gigante, che evoca l’hollywoodiano Kong, l’artista percepisce la velocità del proprio corpo e instaura una relazione carnale e umana con lo spazio tutto intorno, creando una sceneggiatura in cui la storia dell'opera diventa l'opera stessa. In questa tela per Fabbri, l’azione cinematografica, lo sfondo pop con il logo Fabbri che diventa una texture e l’idea di sostituire alla bionda Ann Darrow il vaso bianco e blu dell’amarena, formano un mix particolarmente felice.

Maestro storico che ha attraversato tutta la stagione pittorica del secondo dopoguerra, Walter Fusi approda alla sua inconfondibile cifra stilistica, che ancora lo caratterizza, all’inizio degli anni ottanta e ciò coincide con il ritorno in Toscana, cioè alle origini, nella natia Val d’Elsa, dove ancora vive e lavora. Nato a Udine da genitori toscani, si trasferisce a Firenze proprio nel periodo giovanile, segnato dall’Informale (anni quaranta-cinquanta) e qui decide di diventare artista. Passa poi all’Astrattismo geometrico e negli anni sessanta e settanta, trasferitosi a Milano, diventa protagonista del Concretismo. Nei primi anni ottanta torna a Firenze, si riconcilia con l’Informale e l’Astrattismo e produce tele con tecniche miste e colorate, stese sempre a campiture piatte. Impossibile chiedergli di inserire un corpo estraneo come il vaso di amarene nel suo rigore geometrico e infatti, nell’opera per Fabbri, entrano soltanto pezzi di vaso, sagome piatte, spicchi di colore blu, secondo un processo decostruttivista a Fusi familiare.

Tra dune di neve, dietro una baita di sassi e legno, una latta di amarena Fabbri affiora vicino ai tronchi degli alberi spogli e ai contrafforti di un fortino militare. 

Francesca Forcella, abruzzese, ha uno stile pittorico semplice e immediato.
Le sue tele, di medio e piccolo formato, raffigurano paesaggi di montagna e valli imbiancate: nei suoi quadri la neve silenziosa e ovattante sottrae alla vista porzioni di reale. I quieti fondali accolgono immagini sospese nel tempo e nello spazio, dove non vi è presenza umana, ma se ne intravedono le tracce, reperti di civiltà, come in questo quadro. L’ambientazione pensata dall’artista invita lo spettatore ad addentrarsi in uno scenario incontaminato, dove l’amarena è la miccia che accende la fantasia.

Un contenitore di latta fuori misura, un colore fuori dalla gamma che ci si aspetterebbe (né rosso amarena, né bianco e blu come il vaso): dove sta il richiamo al marchio Fabbri?
Nel motivo decorativo, fatto a mano come fosse una decalcomania, ma applicato con estremo minimalismo formale, giusto per evocare (ma non troppo) qualcosa di familiare. China Black non è un’opera tipica di Flavio Favelli. Appartiene a una nuova stagione in cui l’artista fiorentino non assembla più le piccole cose di pessimo gusto che intercettava da bambino, nelle case borghesi dei parenti.
Le sue originali installazioni, fatte di oggetti desueti e tese a ricreare la percezione del passato prossimo attraverso le cose che lo abitarono(bottiglie di vermut della nonna, carte veline colorate per le arance di Sicilia, vecchie cancellate in ferro battuto, mobili da rigattiere, vasi di ceramica Fabbri), si stanno stilizzando e semplificando. Da una dimensione intima e analitica della propria esistenza, Favelli passa a ragionare in modo politico e collettivo sul mondo dei marchi aziendali e dei nuovi mecenati della contemporaneità. Il vaso o i barattoli industriali Fabbri, citati e riletti dall’artista generano dei falsi autentici, in cui si assiste al riconoscimento del segno (l’identità dell’autore) e al suo fraintendimento.

Provocatrice, interprete dell’arte performativa più vicina al movimento di Fluxus che a quello concettuale, segnata da un’ossessiva necessità di ripetizione (sia dell’immagine sia del gesto artistico) e di auto-rappresentazione, Sabine Delafon sceglie per Fabbri un’installazione di trentadue vasi di vetro. Allineati con ordine seriale su quattro file, non contengono il celebre prodotto dolciario, bensì altrettante fotografie che ne evocano la bontà, il marchio, il colore, oppure i ricordi personali della stessa artista francese. Così decontestualizzato, l’oggetto Fabbri esce dal mondo dell’arte pasticcera per entrare di diritto in quello dell’arte visiva.

Il vaso bianco e blu dell’Amarena Fabbri diventa, nella visione del pittore romano Marco Colazzo, un cosmo a sé; lo suggerisce il piccolo Robot che ha puntato l’oggetto (sconosciuto o desiderato?); lo fanno pensare anche le dieci lune che gli girano attorno, sospese in un cielo marziano. L’artista fa, infatti, della pittura un habitat nel quale vita e sogno si intersecano, determinando l'una le conseguenze dell'altro. I suoi quadri hanno una matrice fortemente astratto-geometrica, che negli anni vira verso il Concretismo e il Surrealismo, ma senza nulla togliere alla coerenza interna del lavoro: Colazzo sceglie pupazzi o Robot per meglio riunire tutto in un’unica figura, ma non dipingere una persona vera, forse per delicatezza. Le sue comparse sono senza nome, come in questa tela, per non togliere la scena al logo Fabbri.

Forse è un sogno premonitore, oppure un incubo: ma qualcosa accade realmente nel tranquillo pomeriggio del samurai: la sua geisha sta copiando dal vero, su un antico sigillo, il vaso dell’Amarena Fabbri e per un istante il guerriero non è più il centro dell’universo; anzi, forse la donna lo sta per tradire con il celebre dolce di Bologna, seppure soltanto col pensiero.

Dal 2007 Roberto Coda Zabetta introduce nelle sue tele inconfondibili (sempre in bianco e nero e sempre definite da grandi volti deformati) le visioni di un mondo nuovo, che per l’artista biellese si chiama Est: Giappone, Tibet, Cina, Indonesia. Il suo rapporto con l’Oriente si intensifica negli ultimi due anni con mostre a Bali, Pechino, Shanghai, Jakarta, e anche questa prova artistica per Fabbri è la conferma di una svolta pittorica in una direzione più esotica e narrativa.

Più noto come ceramista e scultore, figlio d’arte (suo padre Achille era un pittore del Socialismo reale) il savonese Vincenzo Cabiati realizza le sue opere utilizzando più media e talvolta contemporaneamente: fotografia, video, ceramica, bronzo, cera, installazioni.

Anche per Fabbri dà vita a una visione pittorica frutto di vari passaggi concettuali: dalla fotografia alla tela. Il principio che li sottende trae ispirazione dall’idea di trasposizione di scenari reali, ripresentati allo spettatore come visioni originali. In Oasi un uomo che l’artista conosce bene (il suo alter ego?) è ritratto in giacca e camicia e in posa distinta, quasi si fosse appisolato in un accogliente angolino della casa, tra vecchi quadri, in sonnecchiante attesa. Cabiati manipola la visione di cui non è importante conoscere l’origine, la interiorizza prima di riprodurla e poi la rappresenta attraverso un filtro di ricordi, emozioni e suggestioni diverse. L'artista allude ma non spiega: non indica, suggerisce.
Anche il mondo Fabbri diventa un sottile motivo decorativo, leggibile in trasparenza nel plexiglas.

Come il sapore di una “Madeleine” fa riaffiorare alla mente i ricordi dell’infanzia di Marcel Proust, nel celebre romanzo Alla ricerca del tempo perduto, così il vaso Fabbri fa riemergere nella visione artistica di Adriana Albertini i momenti più dolci di un passato che non l’abbandona, anche se riaffiora a tratti.

È da questa idea che nasce la sua installazione luminosa "Dolce Esplosione", realizzata in ceramica, in un mosaico di frammenti di vita che non sbiadiscono con gli anni. Ceramista e designer, l’artista bresciana dipinge a mano i cocci del celebre vaso e li cuoce al forno con le amarene (in tutto più di duecento), poi li appende a fili d’acciaio perché in presenza d’aria si sfiorino, producendo un tintinnio musicale.
L’opera è dunque un “trionfo” leggiadro, un’esplosione luminosa di sensazioni inebrianti che trasportano a ritroso, accompagnando il viaggio nel passato con un suono incantatore, quasi un inno alla dolcezza e all’amore rosso amarena.