II edição - 2007

A tela é executada em "presa diretta" — uma técnica em que a cena é capturada de maneira direta, quase como uma fotografia instantânea. Nela, Serena está submersa em uma banheira anônima, vestida, mas com um toque surreal: em vez de um frasco de sabonete líquido, ela segura uma garrafa de xarope de Amarena Fabbri, prestes a despejar preciosas gotas que tingem toda a cena de um suave tom de rosa antigo. Algumas amarene flutuam sob a água.

A atmosfera que emerge é ao mesmo tempo convidativa, como um anúncio publicitário, e suspensa, com uma qualidade onírica, como se estivesse em uma pintura metafísica. A estética pop, influenciada por Alex Katz, um ícone da arte americana, é evidenciada no detalhamento preciso da garrafa, mas a aplicação do óleo não se limita a formas planas; as sombras e os gradientes revelam a sensibilidade do artista.

Neste trabalho, o foco não está em um evento extraordinário, mas no momento anterior, aquele instante suspenso de antecipação. O jovem pintor genovês consegue dar corpo à espera, e é neste momento de expectativa que o olhar do espectador se acende, despertando interesse e curiosidade.

O dittico criado pelo jovem fotógrafo da Puglia apresenta uma interpretação um tanto hermética de um simples momento cotidiano — o desejo de um bom começo de dia. O toque da Amarena é sutil, espalhado com naturalidade sobre a fatia de pão. Os dois jovens, que parecem irmãos, têm características distintas, mas ambos parecem distantes, entediados e solitários.

O fundo que os envolve, juntamente com a mesa de madeira maciça em primeiro plano, remete diretamente aos doze apóstolos de Leonardo, reunidos à mesa de uma última ceia onde falta o convidado principal.

Vinci, com maestria, captura o declínio da civilização europeia, onde a promessa de um propósito vital se esvai para as novas gerações, deixando-os desorientados. O trabalho explora a solidão e a desconexão emocional no contexto de um mundo que já não sabe oferecer uma razão convincente para a vida.

A sugestão é forte, e um perfume de especiarias orientais e de harém emana da instalação de Adriano Tetti para Fabbri.

Como em outros de seus trabalhos, o título adiciona significado à obra, na qual o perfil do lançador de caroços tem a mesma dignidade de um retrato renascentista, enquanto o chapéu com decorações brancas e azuis da Amarena Fabbri substitui o dos dançarinos sufis. No azul do suporte de madeira, até mesmo a trajetória dos caroços lançados com elegante precisão cria uma parábola celeste e um agradável efeito noturno: o combine painting de Tetti para Fabbri parte de Rauschenberg e chega aos cartazes publicitários que anunciam "os números nunca vistos antes" do circo equestre de Moira Orfei.

Refinado pintor do corpo humano e animal, Samorì escolhe representar para Fabbri o perfil de uma mulher com traços vagos de etíopes e com uma beleza ancestral como Eva, a mãe de todos os seres vivos.

Ele faz isso diluindo sucos de tamarindo e xaropes de amarena, para obter, junto com resinas e tintas, uma cor vermelha como as sinópias e as mais antigas pinturas rupestres. O pigmento, aplicado em camadas finas sobre papéis envelhecidos e depois colado na tela, é um meio entre o alfa e o ômega do tempo, através do qual o artista, com gesto xamânico, exerce a memória e transmite uma centelha de verdade, frágil como a textura impalpável do coração.

A beleza desta obra de arte reside na força ambígua que ela emana, criando um curto-circuito feliz tanto no plano formal quanto no simbólico.

O vermelho que escorre das mandíbulas do dragão é sangue ou é suco de amarena? E o seu pouso desajeitado com as asas abertas sobre a presa é uma vitória (o vaso quebrou) ou uma derrota (o dragão se feriu)? A resposta está na cultura pop deste jovem artista da cerâmica, segundo classificado no 55º concurso internacional do Prêmio Faenza 2007. Sua visão global fantasy nos leva a sonhar com Eragon montado no dragão azul Saphira, em vez do arcanjo Miguel.

Seu dragão, ávido por xarope, olha mais para o leste do que para o oeste, tornando-se um símbolo auspicioso de fertilidade e boa sorte, como na China e no Japão, onde esse animal lendário é pintado em vasos, bordado em brocados, fundido nas torneiras de bronze guardando fontes e acompanhado, pelo menos uma vez por ano, de festas e fogos de artifício.

Na criatura fantástica de Salvatori, no entanto, percebemos uma moral: nenhum inimigo poderia derrotá-lo, exceto a bondade.

Artista campano autêntico, carrega em seu interior um selo indelével: a percepção lancinante da realidade como contraste entre vida e morte, como luta entre luz e escuridão, como destino entre Inferno e Paraíso.

Neste dilema, escolhe o Purgatório. Ou seja, uma estrada intermediária que entra na noite, mas aponta para a aurora, uma solução humana e provisória, justamente porque o mal precisa ser atravessado, mas depois deixado para trás. Assim, a tragédia de Pompeia se torna o mais belo museu natural de moldes humanos a céu aberto, e Giovanni Ruggiero o inventor do seu oposto: os introrilievi. Escavando na matéria, ele mostra o interior da própria escultura; não se trata de moldes de matéria negativa, mas de esculturas criadas removendo diretamente a matéria da matéria. Com essa impressão de busto humano esculpida na cerâmica branca e azul dos vasos Fabbri, o artista nos revela daquilo que somos feitos; nos conta que o vazio na natureza não existe e que a ausência é apenas o outro lado da presença; no meio, está a memória de toda existência.

Fiel à poética lúdica e provocadora que o tornou famoso no mundo (na Indonésia já há alguns imitadores), o artista vicentino, mestre da arte digital e o primeiro na Itália a criar, há dez anos, um videogame artístico, interpreta o tema criando uma arma letal com a maiólica branca e azul dos vasos Fabbri. Colidindo matéria e forma, Antonio Riello descreve, com cáustica ironia, as incongruências e as psicoses do nosso tempo.

Pela clara derivação cinematográfica com um olhar intimista marcante e o uso sugestivo da luz, que remete a uma paisagem infantil lúdica e nostálgica.

Dois rostos femininos com perfume oriental abraçam um vaso de Amarena Fabbri e se olham sorrindo na porta. Parecem especulares, mas não são. Estamos diante do quadro de um comercial publicitário? Ou dentro de um videogame? Com certeza, estamos no início de outro episódio escrito pela fantasia de Giuseppe Rado, pai de duas possíveis ícones de desenho animado japonês, Kaori e Shanty. O artista recria com fotoritocco os olhares típicos dos mangás e transporta suas personagens femininas para uma dimensão real. As duas garotas possuem um toque literário, com aspectos e atitudes que remetem aos orientalismos do final do século XIX e início do século XX; mas as poses de Madame Butterfly e Turandot não se transformam em gestos e o final arrebatador nunca chega.

O jovem artista faentino cria uma espécie de bomba calórica com um gosto explosivo: uma instalação composta por três peças (os três vasos de cerâmica branca e azul Fabbri), montados em um prato branco e cujo detonador é a Amarena Fabbri. O uso do platino, que escorre como sangue, ganha destaque. Neretti decora a superfície dos vasos com pequenos crânios que, embora mórbidos, não causam medo.

Amarenas como jóias e cristais, que do vaso Fabbri lançam um cone de luz sobre o tempo infinito do espaço cósmico.

No monocromático que se assemelha à vibração do universo, Marcello Jori cria para Fabbri essas pequenas e preciosas geometrias, encantadas e caleidoscópicas. Experimentador da forma, artesão da matéria, o artista lentamente abandonou a matriz conceitual para devolver corpo ao mundo. Desde o tempo de sua primeira participação na Bienal de Veneza, em 1982, criou muitos mundos sensíveis, passando da fotografia à pintura, das "escritas" vórtices e flutuantes no seu espaço físico e mental às coloridas construções dos "teatrinhos", arquiteturas vibrantes em movimento e prelúdio desses baixos-relevos de grande elegância e harmonia.

O gesto artístico pode ser erótico apenas sob uma condição: a mão que oferece o prazer deve ser a mesma que o captou pela primeira vez.

A cereja é pequena, nossa expectativa é grande, mas a boca semiaberta da mulher não tem vontade de doce e não sabe o que desejar; quem engole tudo é uma sombra negra, em um jogo de contornos turvos que coloca em cena, mas não leva à superfície as pulsões vitais mais profundas.

Pela habilidade factual e classicista que retoma elementos históricos com algumas concessões irônicas ao modernismo, destacando um vínculo com a tradição que não teme a força inovadora.

Um fragmento de mármore branco, com letras e arabescos gravados, evoca imediatamente um mistério a ser descoberto, cuja chave talvez esteja escondida em algum pilar de catedral medieval. Para onde levará a pista Fabbri que se entrevê entre as rugosidades do mármore esculpido pelo jovem Galliani? Não a Wiligelmo nem a Antelami, seus ilustres predecessores na terra emiliana, porque o fio de aço que sai da urna é brilhante como a língua de uma serpente encantadora e tem uma cereja vermelha na ponta, que toca as formas de Philippe Starck. O contraste entre os materiais usados cria uma obra aberta, capaz de múltiplos referenciais: diante deste objeto precioso, a memória dos antigos mestres comacini logo cede lugar à dos modernos mestres confeiteiros.

Pela qualidade de sua pintura que, com ironia e sabedoria, captura uma imagem solar e luminosa capaz de representar da melhor forma a italianidade da empresa.

Mestre do absurdo, o artista inventa uma cenografia surreal onde o Peso doce avança com leveza em uma Ape, como se fosse um carretto siciliano quebrado e cambaleante, como manda a tradição popular, mas quase sendo impulsionado por um vento surreal que infla o vaso de Amarena Fabbri como uma vela de popa. O elemento realista se combina ao visionário: erguido como um estandarte no topo de uma arquitetura de caixas de frutas e legumes, o vaso de Amarena Fabbri provoca um sorriso; o espectador se sente perdido e divertido, retornando à infância ao tentar reconstruir logicamente esse delírio imaginativo. As coisas pintadas por Di Marco são apenas aparentemente modestas e insignificantes; na realidade, carregam uma forte valência simbólica da atividade humana e da cultura gerada por ela.

Aérea, divertida, inteligente, erudita, a Amarena de Cuoghi é concebida como uma orvalho extraterrestre.

O fruto sai em abundância da tiara da deusa Idea, como Atena nasceu da cabeça de Zeus. Descrita como um vaso de "Pandora-Fabbri", a aparição celeste é concebida como uma imagem devocional da Contra-Reforma tardia, com o devoto vestido como um cavalheiro do século XVIII aos pés e o santo no céu; pintada suspensa nas nuvens, como uma Virgem da santeria brasileira, perfilada com traço preciso como em um quadrinho de animação, e posando as mãos de forma ierática como uma deusa do "bom gosto" do panteão hindu. A tela tem caráter e força atrativa; é uma presença encantada, a ser saboreada com todos os sentidos.

Neste jogo de citações simbólicas, as referências sugeridas pela jovem fábrica de Fabrice Coniglio e Andrea Raviola são realmente infinitas: o homo faber (antepassado de todos os artistas), a forja de Hefesto (Vulcano) que forja as armas, a maçonaria (o martelo é a ferramenta do mestre da Loja e dos dois guardiões), a cereja como gota de sangue divino e como rubi que possui as virtudes de todas as outras pedras preciosas, metáfora da pedra filosofal. Tendo se autorretratado citando a célebre dupla inglesa Gilbert & George, a dupla ConiglioViola cria uma obra-paródia; artesãos virtuais do meio digital, são ecléticos representantes da meta linguagem contemporânea, onde tudo transita em "encontrado" (ou seja, encontra um lugar no cenário do relativismo contemporâneo), movendo-se rapidamente e com maestria na superfície, mas não indo a fundo. Não conhecem, portanto, o sabor da experiência e, nesta representação bidimensional, mais do que o gosto da Amarena Fabbri, evoca-se o gosto do matadouro americano habitado pelos serial killers de O Massacre da Serra Elétrica.

O que Davide Coltro avistou? Em uma paisagem padana, tingida de amarelo, uma dezena de objetos não bem identificados cai do céu.

Não é nada certo que se trate de vasos estilizados de Amarena Fabbri; ao invés disso, são formas abstratas, suaves e arredondadas como sinos ou espaçonaves, grandes mamas ou piões, todas imersas em um "medium color" criado pelo autor. O artista veronês, de fato, já nos habituou a essas visões mínimas ou seriais, caracterizadas por infinitas tonalidades numéricas e por um valor cromático extraído da realidade fotografada. São paisagens do espírito que convidam à reflexão sobre a relação entre realidade e mundo virtual, entre natureza e cultura. As fotos geradoras desta obra são de estilo clássico e sua peculiaridade reside na transformação da imagem fotográfica original. Usando a cor média, que se torna uma segunda e nova pele a ser aplicada ao esqueleto da imagem, Coltro nos mostra um cosmos além da tela; ele fotografa e depois "pinta". Mas de onde nasce sua visão? O artista vê ou sonha? E se vê, o que preenche o seu céu?

Com o lirismo suspenso que o caracteriza, Matteo Bergamasco cria uma imagem sem profundidade para contar a epopeia centenária da Fábrica Fabbri.

De forma dispersa, ele descreve coisas de ontem e de hoje: as garrafas de cedrata e os sorvetes, os brandys Gran Senior e os xarope, o vaso de licor de cerâmica preto e branco dos anos cinquenta e os vasos brancos e azuis da Amarena, os serviços de café em porcelana Richard-Ginori, e todo o processo industrial dos semi-acabados para a confeitaria e a sorveteria artesanal que ainda hoje fazem o sucesso internacional da marca. O pintor não precisa de palavras; ele captura a alma da situação no candor de uma imagem quase de conto de fadas para expressar, com síntese poética, a serenidade de uma vida laboriosa.